L’art comme invitation à prendre soin du vivant et de la terre/Terre Art as an invitation to care for the living and the Earth

Note de bas de page 1 :

Par « perméabilité », nous faisons référence aux travaux de Tim Ingold lorsqu’ « [il] suggère qu’en tant que liaison de vie et de croissance au sein d’un filet de relations, l’organisme n’est pas limité par la peau mais est perméable » (2013 : 265).

La maîtrise d’une telle discipline qu’est la technoscience, comme le rappelle Roberto Barbanti, implique de se confronter à des exigences méthodologiques dont le recours aux calculs, parfois exclusif, peut entraîner une perte de sens et de matérialité (Bachimont, 2022). Par conséquent, une telle entreprise sous-entend de rompre avec l’insouciance de la création artistique, laquelle réside dans l’interpénétration esthésique et perceptive. Ainsi, pour en revenir à la critique baudelairienne, il semble que l’avènement de la technocratie amène aujourd’hui les artistes à se repositionner quant à leurs propres processus créatifs : du procédé imaginatif, empreint de rêve et de symbolisation, découle maintenant la possibilité d’expérimenter la perméabilité du vivant¹ au sein d’« environnements toujours plus uniformes et codés » (Villani, 2016).

Note de bas de page 2 :

Nous insistons ici sur l’étymologie du terme « simulacre » : le latin classique simulacrum renvoie à l’apparence, à la représentation figurée de quelque chose.

Toutefois, il est cette fois inutile de s’y connaître en code ou jargon informatique. C’est ce que Catheline Périer-D'Ieteren dénonce au sujet de la technique développée par Google Art & Culture, la qualifiant de « banalisation ludique qui fait oublier l’apport novateur des œuvres et leur qualité d’exécution » (2023). Les consignes, claires et rapides, permettent d’anticiper la lassitude d’un utilisateur pressé de se « métamorphoser » et de partager son « œuvre » sur les réseaux sociaux. Un simple import de photo suivi d’un « clic » suffit pour télécharger son portrait revisité dans tel ou tel style. De ce fait, entre l’art et le simulacre², la frontière est très vite franchie. Il ne va pas sans dire que l’usager, derrière son écran, peut avoir l’amusante impression de combiner, aussi facilement soit-il, une technique picturale et son image en tant que personnage historique ou issu d’un univers fantasy. Mais le résultat n’est qu’illusion puisqu’à travers l’écran, la création devient passive. Une telle activité participe en effet « à l’anesthésie, à la privation du sentir, en opposant catégoriquement le sensible à l’intelligible » (Pignier, 2020). Le portrait stylisé du selfie, soumis aux algorithmes, répond ainsi à une logique de négation du geste créatif pictural en tant que geste de respiration (Jullien, 2003). Effectivement, le sinologue François Jullien explique notamment que le peintre chinois, par exemple, « est en quête de cette organicité de l’organique » (2003 : 344). Le maniement du pinceau, la caresse de la toile et l’inspiration du paysage forment, grâce à l’exercice respiratoire qui accompagne la création, une « accointance avec le monde ».

Note de bas de page 3 :

L’exemple de Dalí Lives est d’autant plus pertinent dans le sens qu’il met en avant un certain solutionnisme technologique pour rompre avec la dynamique tensive entre les schèmes perceptifs vit/mort. Au cours de nos recherches sur le sujet, nous avons relevé plusieurs occurrences, dans les titres ou les corps d’articles, s’apparentant à l’idée d’une « résurrection » du peintre grâce à une « toute-puissance » technologique. En voici quelques exemples : « Dalí : le peintre espagnol reprend vie grâce à l’intelligence artificielle », « The Master of Surrealism is back », « “résurrection” numérique du maître », « back to life », « He’s back », « Watch Salvador Dalí return to life through AI », etc.

Comment l’abstraction sonore se manifeste-elle dans le domaine artistique et culturel ? Nous pouvons prendre l’exemple du Salvador Dalí Museum à Saint Petersburg en Floride. En effet, depuis 2019, le musée expose le Dalí Lives, une vidéo de quarante-cinq minutes présentant la vie et l’œuvre du peintre. Il était question, pour la structure, de créer de l’interactivité avec le public. Pour cela, le musée qui possède depuis 2015 le programme Innovation Labs, s’est associé avec la société de communication de San Francisco Goodby Silverstein & Partners. Si l’on en croit les divers articles et vidéos diffusés pour promouvoir l’événement, il s’agit de « faire revivre »³ Salvador Dalí. Sur une base de milliers de photos, vidéos, l’agence a donc mis au point un algorithme d’I.A. afin de reconstituer les différents aspects et mimiques du visage du peintre. Un acteur, dont les caractéristiques physiques ressemblaient fortement à celles de Salvador Dalí, a été ensuite choisi pour le représenter « corporellement » ; la voix du peintre est quant à elle imitée par un professionnel.

Note de bas de page 4 :

Nous traduisons : « Grâce à une intelligence artificielle (IA) de pointe, Dalí Lives permet aux visiteurs du musée d'en savoir plus sur la vie de Salvador Dalí par la personne qui le connaissait le mieux : l'artiste lui-même ». Voir le site internet du Salvador Dalí Museum (St Petersburg, Floride) : https://thedali.org/exhibit/dali-lives/

Note de bas de page 5 :

Nous traduisons : « Je ne crois pas en ma mort. Et vous ? ».

Selon le texte de présentation de Dalí Lives sur le site internet du Musée : « Using cutting-edge artificial intelligence (AI), Dalí Lives provides Museum visitors an opportunity to learn more about Salvador Dalí’s life from the person who knew him best : the artist himself »⁴. Le Dalí Lives ne comporte pas moins de 190 512 combinaisons possibles : allant de l’anecdote (auto)biographique, à des commentaires sur la météo du jour, en passant par des analyses de ses œuvres. Les ingénieurs ont été jusqu’à envisager la possibilité pour les visiteurs de faire un selfie avec le peintre espagnol : la photo étant alors prise par Salvador Dalí lui-même. Dans la vidéo de présentation (cf. figure 2) publiée en ligne par le musée, le « peintre » déclare presque malicieusement « I do not believe in my death. Do you ? »⁵. N’est-ce pas là une façon de pousser l’amenuisement des frontières entre le vivant et l’artificiel à son paroxysme ? Nous pouvons d’ores et déjà postuler que l’expérience proposée par le Dalí Lives ne relève pas d’un phénomène interactionnel sensible. Il n’est pas à oublier que le peintre de la vidéo répond une fois de plus à un algorithme prédéfini : il est pro-grammé, c’est-à-dire qu’il est écrit à l’avance (Pignier, 2021).

Note de bas de page 6 :

Tim Ingold le rappelle : « À l’origine, ars et tekhnè signifiaient plus ou moins la même chose, c’est-à-dire le savoir-faire associé à une activité artisanale » (2021 : 208).

Pour cela, nous postulons que l’art, en tant que discipline du savoir-faire et du geste sensible⁶, permet de renouer avec ce que nous nommons, à la suite des travaux de Chris Younès et de Nicole Pignier, le soin du vivant. En effet, si l’on réenvisage la dimension du prendre soin en art nous nous rendons compte que non seulement les matériaux, les gestes, les situations d’énonciation et de création peuvent ainsi être reconsidérés selon leur portée à la fois esthésique et éthique mais qu’ils permettent également de créer des « formes de résistances et de reliances créatrices qui font monde » (Younès, 2016 : 53). Ainsi, plutôt que de créer virtuellement (en donnant le primat au sens visuel) ou, encore, au lieu de chercher à créer à (télé-)distance, le « prendre soin » propose de réancrer l’énonciateur dans son milieu tel que l’envisage la mésologie, à savoir comme une relation et non comme un objet (Berque, 2016 : 142).

Note de bas de page 7 :

Gaston Bachelard [1957], La poétique de l’espace, Presses Universitaires de France, Paris, Édition critique de 2020, p. 106.

Autrement dit, nous pouvons faire l’hypothèse que prendre soin, grâce à la conscience du temps, de l’espace, du corps, ou encore du plaisir éprouvé lors de l’acte créatif, nous ramènerait vers l’émerveillement premier de l’art, soit un réenchantement (Zhong Mengual 2021) vis-à-vis de nos pratiques. Il ne s’agirait donc plus de se satisfaire d’un résultat généré de façon automatique par un logiciel, reprenant les codes esthétiques et techniques de tel ou tel peintre ; mais il serait davantage question de s’émerveiller des petites imperfections, de la lenteur, des émotions propres à l’instant hic et nunc de création. Cela ne rejoint-il pas ce que Gaston Bachelard écrivait au sujet de la créativité au sein de l’action ménagère : « Quel émerveillement de redevenir vraiment l’auteur de l’acte machinal ! »⁷. De telles expériences sensorielles invitent alors à reprendre conscience de sa vitalité et à bifurquer dans la vie quotidienne par rapport à l’invasion numérique.

Note de bas de page 8 :

Voir le site des Récréâtrales : http://recreatrales.org/fr/a-propos-de-nous/

« Aujourd’hui, les Récréâtrales sont investies plus que jamais de la charge de produire du sens et du lien en ces temps de fractures et d’individualités et œuvrent à remettre l’Humanité au centre des discours et des spectacles qu’elles produisent et programment pour donner des pistes pour affronter les grands fléaux de notre époque. »⁸

Note de bas de page 9 :

Nous employons le verbe « imaginer » au sens donné par Emanuele Coccia dans La vie des plantes : « Imaginer ne signifie pas poser une image inerte et immatérielle devant ses yeux, mais contempler la forme qui permet de transformer le monde et une portion de sa matière en une vie singulière », p. 29.

Note de bas de page 10 :

Voir l’interview en ligne sur Noo Cultures : https://www.noocultures.info/kaya-lart-peut-encore-nous-sauver/

Note de bas de page 11 :

Les esthésies renvoient aux sensibilités collectives et les esthèsis aux sensibilités individuelles. Elles sont convoquées et s’interrelient en chacun d’entre nous (Pignier, 2017 : 169).

Note de bas de page 12 :

C’est-à-dire la préhension par les sens sensoriels et significatifs.

Chaque réplique, chaque geste, devient l’occasion de créer un moment de rencontre, de partage, d’interaction avec le public présent. Ces instants sont essentiels en ce qu’ils nourrissent des espoirs, des échappatoires aux violences terroristes quotidiennes subies par les habitants depuis plusieurs années. Pendant les processus de création, les artistes et habitants burkinabè sont invités à imaginer⁹ ensemble afin de ne plus séparer l’art du quotidien mais de se réengager dans des expériences de contact, de proximité. C’est ce que mentionne le peintre Blaise Patrix au sujet d’un atelier de peinture murale réalisé en 2022 au marché de Saamb Yaar : « L’engouement observé autour de cet atelier était extraordinaire. Les personnes avaient tant à dire. C’est une co-création spontanée où chacun se laissait aller pour s’exprimer et inviter à l’harmonie sociale »¹⁰. Les participants, des réfugiés du terrorisme, pouvaient peindre selon leurs propres esthésies et esthèsis¹¹ tout en se laissant imprégner de l’ambiance du lieu, du moment. Lors d’une telle expérience, la sensation est ainsi mise au cœur de l’acte créatif puisqu’elle implique de dépasser le simple rendu visuel pour éprouver les autres sens et les mettre en correspondance. L’odeur des produits du marché, les cris des enfants, la caresse du pinceau sur le mur, la contemplation des dessins… Tout cela participe à nourrir une atmosphère synesthésique. Loin des multiples algorithmes et programmations, les pratiques qui prennent soin du vivant permettent de réancrer l’art dans le domaine du « saisissable »¹² et de renouer avec la tension intelligible/perceptible.